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segunda-feira, 23 de abril de 2018

As impressionantes estações de metrô de Moscou

I. - A Configuração do  Metrô em Moscou


O Metrô de Moscou, também conhecido como Palácio Subterrâneo, foi inaugurado na "Era Stalin" em 1935, sendo atualmente o maior do mundo em densidade de passageiros. Ele transporta um pouco mais de três bilhões de passageiros por ano e cerca de 9,2 milhões de pessoas por dia. Ele conta com 206 estações, distribuídas em 12 linhas através de 346 km. É o sexto mais extenso do mundo, atrás de Nova Iorque, Londres, Paris, Tóquio e Seul.

A configuração do metrô é de uma linha circular, seis linhas que cruzam a linha circular e outras de interligação. Com apenas duas trocas você pode ir de uma estação a  qualquer outra das linhas de metrô.



foto do mapa das estações de Metrô de Moscou



Devido a sua configuração  é fácil de se locomover no metrô de Moscou, desde que os passageiros conheçam um pouco do cirílico, pois todos os nomes nas placas indicativas , tanto na estação como dentro do vagão, estão nesse formato.




foto de placas com indicações de direções na parede de uma estação de metrô de Moscou - Tudo escrito em cirílico



II. - A Importância do Metrô para a Revolução Russa


Stalin fez do metrô de Moscou não apenas um grande meio de transporte em massa, mas também, um instrumento de afirmação da grandeza do povo russo e da revolução comunista.

Cada estação tem um motivo especial no qual toda a sua decoração é baseada. Listamos aqui algumas das mais famosas. 

III. - Estações Principais


1. Komsomolskaya


A estação é conhecida por estar localizada sob o mais movimentado centro de transportes de Moscou, a Komsomolskaya Square.  Por causa disso, a estação é uma das mais movimentadas do sistema e é a mais carregada da linha.


Foi inaugurada em 30 de janeiro de 1952 como parte do segundo estágio da linha.  O designer-chefe Alexey Shchusev a projetou como uma ilustração de um discurso histórico proferido por Joseph Stalin em 7 de novembro de 1941. Nesse discurso, Stalin evocou as memórias de Alexander Nevsky, Dmitry Donskoy e outros líderes militares, onde inspirou os soldados em meio às perdas catastróficas no período inicial da Segunda Guerra Mundial lembrando o heroísmo histórico de seus antepassados ​​russos. 

foto da estação de metrô de Komsomolkaia




Há um imponente teto barroco, com frisos acompanhantes, pintados de amarelo. Apoiando a abóbada aumentada estão  68 colunas octogonais em mármore branco, e cobertas com pilastras barrocas.

A plataforma é iluminada por candelabros e elementos ocultos adicionais nos nichos das salas central e da plataforma.

O tema do design, a luta histórica russa pela liberdade e independência, é expresso em oito grandes mosaicos de teto de Pavel Korin.  


2. Mayakovskaya


O nome, assim como o design, é uma referência ao futurismo e seu proeminente expoente russo Vladimir Maiakovski. Considerada uma das mais belas do sistema, é um excelente exemplo da arquitetura stalinista anterior à Segunda Guerra Mundial e uma das estações de metrô mais famosas do mundo. É mais conhecida por seus 34 mosaicos de teto representando "24 horas na terra dos soviéticos". Durante a Segunda Guerra Mundial, foi usado como posto de comando do regimento antiaéreo de Moscou



foto da estação de metrõ de Mayakovskaya
Estação de Mayakovskaya, foto de Leonid Andronov em Shutterstock.com 




A estação foi construída como parte da segunda etapa da expansão do metrô de Moscou, inaugurada em 11 de setembro de 1938. Pela primeira vez no mundo, em vez de ter o layout tradicional da estação de três andares, os engenheiros conseguiram sobrepor o espaço da abóbada e apoiá-lo com dois conjuntos de colunatas de cada lado. Isso deu origem a um novo projeto de tipo de estação de coluna profunda, e Mayakovskaya foi a primeira estação a mostrar isso.

Localizada 33 metros abaixo da superfície, a estação ficou famosa durante a Segunda Guerra Mundial quando um abrigo antiaéreo foi localizado na estação e Stalin fixou sua residência nesta lugar.

3. Kiyevskaya (Ки́евская) - Linha Circular


O projeto para a estação foi escolhido em uma competição aberta realizada na Ucrânia; O projeto enviado pela equipe de EI Katonin, VK Skugarev e GE Golubev ficou em primeiro lugar entre 73 outros e se tornou o projeto final.


foto da estação de metrô de Kievskaya
Kievskaya, foto historiacomgosto


foto de medalhão na parede da Kievskaya com personagens celebrando a união russo-ucraniana. Por trás uma bandeira com o rosto de Lenin



Kievskaya possui pilares baixos e quadrados, revestidos com mármore branco e encimados por grandes mosaicos de AV Myzin celebrando a união russo-ucraniana. Ambos os mosaicos e os arcos entre os pilares são delimitados por elaborados acabamentos dourados. No final da plataforma há um retrato de Vladimir Lenin .


Existe uma outra estação com o mesmo nome que fica na linha radial e tem a decoração com a vida cotidiana da Ucrânia. Vejam próxima estação.




4. Kiyevskaya (Ки́евская) radial (linha Arbatsko-Pokrovsakaya)


Kiyevskaya, nomeado para a estação ferroviária próxima Kiyevsky , é uma estação na linha Arbatsko-Pokrovskaya. Inaugurada em 1953, é luxuosamente decorada no estilo quase barroco que predominou no início dos anos 50. 


Os pilares quadrados são revestidos com mármore branco Ural e com telha cerâmica elaboradamente estampada. O teto rebocado é decorado com uma série de afrescos de vários artistas que retratam a vida na Ucrânia


foto da estação de Kievskaya com pilares brancos e ao fundo um painel pintado celebrando os trezentos anos da reunificação de Rússia com a Ucrânia
Estação de Kievskaya, foto de Ewa Studio




Um grande mosaico no final da plataforma comemora o 300º aniversário da reunificação da Rússia e da Ucrânia. A luz vem de uma fileira de candelabros hexagonais. Os arquitetos foram LV Lile, VA Litvinov, MF Markovsky e VM Dobrokovsky.


5. Ploshchad Revolyutsii (Пло́щадь Револю́ции)



foto de bandeira / símbolo na entrada da estação Ploschad Revolyutsii
Estação Ploshchad Revolyutsii, foto historiacomgosto


A estação foi inaugurada em 1938, seu arquiteto foi Alexey Dushkin . A estação possui arcos de mármore vermelho e amarelo apoiados em postes baixos, em frente ao mármore negro armênio . Os espaços entre os arcos são parcialmente preenchidos por grades de ventilação decorativas e rendilhado no teto. Cada arco é flanqueado por um par de esculturas de bronze de Matvey Manizer, representando o povo da União Soviética, incluindo soldados, agricultores, atletas, escritores, aviadores, trabalhadores industriais e crianças em idade escolar. Há um total de 76 esculturas na estação.



foto de corredor na estação Ploschad Revolyutsii
Estação Ploschad Revolyutsii, foto historiacomgosto


foto de esculturas de pessoas em mármore preto / bronze  representando a vida comum foto de escultura de um caçador ajoelhado com um cachorro em posição de vigilância



Existe uma lenda que passar a mão no focinho do cachorro traz sorte e bons resultados nas provas para os estudantes. É impressionante o número de  russos que cumprem esse ritual.


6. Prospekt Mira (Проспект Мира)



Prospekt Mira  é uma estação do Metro de Moscovo inaugurada em 30 de janeiro de 1952, como parte da segunda etapa da linha. É um projeto   dos arquitetos Vladimir Gelfreykh e Mikhail Minkus .

Originalmente chamado Botanichesky Sad  devido ao Jardim Botânico da Universidade Estadual de Moscou, que está localizado  nas proximidades, o tema desta estação desenvolve a conotação do nome no tom da cor geral. 



foto de estação Prospekt Mira
prospekt mira, foto historiacomgosto
foto de corredor da estação Prospekt Mira
prospekt mira, foto hsitoriacomgosto


Os pilares são revestidos com mármore branco e são cobertos com frisos cerâmicos de baixo-relevo feitos de elementos florais. No centro são baixos-relevos de medalhão caracterizando os aspectos diferentes no desenvolvimento da agricultura na União Soviética. As paredes da estação são revestidas com mármore Ural vermelho-escuro e o piso do tabuleiro de xadrez é feito de granito cinza e preto. A abóbada do teto é decorada com moldes e a iluminação vem de vários candelabros cilíndricos.


7. Novoslobodskaya (Новослободская)



A estação de Novoslobodskaya foi inaugurada em 30 de janeiro de 1952.  Alexey Dushkin, o arquiteto da estação, há muito tempo desejava utilizar vitrais na decoração de uma estação de metrô, e os primeiros desenhos datam dos tempos anteriores à Segunda Guerra Mundial. Em 1948, com a ajuda do jovem arquiteto Alexander Strelkov , Dushkin encontrou o renomado artista Pavel Korin , que concordou em compor as obras dos painéis. O resto da estação foi projetado em torno dos painéis de vidro. Dushkin, tomando o layout padrão, projetou a impressão geral para se assemelhar à da cripta subterrânea.




foto de bonitos vitrais curvos nos corredores da estação Novoslobodskaya
Novoslobodskaya, foto de xabi_kls em shutterstock.com


Cada painel, cercado por uma elaborada borda de latão , é colocado em um dos postes da estação e iluminado por dentro. Tanto os pilares quanto os arcos pontiagudos entre eles são revestidos com mármore rosado de Ural e com bordas de latão. No final da plataforma está um mosaico de Pavel Korin intitulado "Paz em todo o mundo". Os painéis de vidro colorido, o mosaico, o acabamento em latão e os elegantes candelabros cônicos foram cuidadosamente limpos e restaurados em 2003



8. Elektrozavodskaya (Электрозаводская)



É uma das estações mais espetaculares e mais conhecidas do sistema. Construído como parte da terceira etapa do metrô de Moscou e inaugurado em 15 de maio de 1944 durante a Segunda Guerra Mundial , a estação é um dos símbolos icônicos do sistema, famosa por sua decoração arquitetônica que é obra dos arquitetos Vladimir Shchuko (que morreu enquanto trabalhava no projeto da estação em 1939) e Vladimir Gelfreich, junto com a participação de seu aluno Igor Rozhin .



foto de corredor com iluminação moderna na estação Elektrozavodskaya
Elektrozavodskaya, foto de Василий Овечко em wikicommons


Com o nome da fábrica de lâmpadas elétricas que fica nas proximidades, o layout preliminar incluiu a idéia de Schuko de fazer o teto coberto com seis fileiras de lâmpadas circulares incandescentes embutidas (das quais havia 318 no total). No entanto, a eclosão da Segunda Guerra Mundial interrompeu todas as obras até 1943, quando a construção foi retomada. Gelfreich e Rozhin terminaram o projeto adicionando um tema de adição à estação, a luta da frente doméstica durante a guerra, que é destacada pelos 12 baixos-relevos de mármore nos pilares feitos por Georgiy Motovilov.


9. Partisanskaya 



A Estaçãp Partizanskaya era conhecida até 2005 como Izmailovsky Park, e é uma estação na linha Arbatsko-Pokrovskaya e que leva ao parque Ismailovsky muto conhecido por sua fiera de artesanato e bugingangas russas antigas. Foi construída durante a Segunda Guerra Mundial, inaugurada em 1944, e é dedicado aos partisans soviéticos que resistiram aos nazistas . O nome foi mudado no 60º aniversário da vitória soviética para refletir melhor o tema da estação. O design da estação foi o trabalho do arquiteto Vilenskiy.


Tanto as paredes como os pilares da estação são revestidos com mármore branco e decorados com baixos-relevos em homenagem aos partidários. Os dois pilares mais próximos às escadas de saída são adornados com estátuas: Zoya Kosmodemyanskaya à esquerda e Matvey Kuzmin à direita.


foto de estátua de um soldado em pé com arma, uma mulher camponesa e um adolescente na estação Partisanskaya
Partisanskaya, foto historiacomgosto


No topo da escada há um grupo escultórico de Matvey Manizer intitulado "Partisans" e com a inscrição "To partisans and partisan glory!".


10. - Kurskaya


A estação foi projetada pelos arquitetos G. Zakharkov e Z. Chernysheva, sob a supervisão de Ivan Zholtovsky, que receberam o Prêmio Stalin em 1950 pelo projeto. Kurskaya é uma estação de coluna profunda  construída no estilo dos anos 1950 da arquitetura stalinista .

O design apresenta quatro filas de colunas que suportam as abóbadas, embora as colunas sejam "dobradas", portanto, sua aparência é bem ampla. No centro da estação há um grande espaço aberto com uma grande abóbada no topo que repousa sobre quatro pilares formando um caramanchão , do qual uma escada leva como uma transferência para Kurskaya-Radialnaya da linha Arbatsko-Pokrovskaya . 


foto de um bonito vaso grandioso em forma de uma tulipa branca na entrada da estação  Kurskaya
Kurskaya, foto de historiacomgosto



Outro detalhe interessante da estação é a falta de esculturas e obras de arte, mas isso é compensado por pequenos detalhes. Iluminação adicional é fornecida por oito candelabros cônicos elegantes com lâmpadas fluorescentes. O piso é colocado com granito vermelho e cinza, e as paredes e colunas com mármore branco koyelga .


O grande vestíbulo da estação está localizado ao lado do norte, e adjacente à estação ferroviária de Kursky , daí o nome da estação, e serve tanto às estações radiais quanto aos anéis, que contém um grande saguão subterrâneo circular no centro do qual está uma  escultura de bronze de trigo.

IV. Referências


Todos os textos foram obtidos da Wikipedia Inglesa.

quinta-feira, 19 de abril de 2018

Vida e Obra (História) de Leonardo da Vinci II (Milão)

I. - Leonardo em Milão



Em 1482, com trinta anos, Leonardo deixou Florença e foi para Milão. Leonardo levava uma Lira de braço, enviada por Lourenço de Médici como um presente diplomático.

Com 125 mil habitantes, Milão era muito maior que Florença. Entretanto, ao contrário de Florença, que era dominada por banqueiros, Milão tinha uma corte, era um ducado. Ela era governada pela família Sforza e quem comandava a cidade era Ludovico Sforza, em nome de seu sobrinho de sete anos, o herdeiro. 


 foto com vista de Milão e do castelo Sforza
Vista de Milão e do Castelo Sforza, foto de Samuel Borges em Shutterstock.com

Um outro fator positivo encontrado em Milão foi o fato que a cidade não possuía muitos artistas e ateliês, isso abria um enorme caminho para Leonardo.

Pedido de Emprego



Logo ao chegar, Leonardo encaminhou uma carta ao duque Ludovico, oferecendo os seus serviços como engenheiro militar, arquiteto, escultor e somente no final colocou que também pintava como qualquer bom pintor da época. Ludovico não deu muita bola inicialmente para Leonardo e o deixou de lado.


Projeto para a cidade de Milão



Como Leonardo teve bastante dificuldades de encontrar alguma encomenda de trabalho no seu início em Milão, ele se dedicou aos seus estudos de equipamentos militares e também aos de construção. Em especial ele projetou uma cidade ideal, como se fosse para a reconstrução de Milão, onde ele propôs a construção de uma séries de canais que atravessariam e abasteceriam toda a cidade. A ideia de Leonardo era construir as ruas largas em um nível mais alto e os canais de abastecimento em um nível inferior.


  foto da maquete Cidade Futuro - Como se fosse projeto para reconstrução de Milão
cidade do futuro - fonte: www.historiadigital.org.br
As ideias de Leonardo eram muito boas e poderiam, se adotadas, ter livrado as cidades de muitas doenças como as pestes que atacavam na época. Apesar disso Ludovico não se interessou. 



O construtor de espetáculos



A entrada de Leonardo na corte se deu através da produção de espetáculos. Desde seu tempo de aprendiz com Verrochio, Leonardo costumava participar na criação de peças e era apaixonado por teatro. Ele gostava de tudo, cenografia, música, texto, coreografia, cenários, mecanismos automáticos, ...,. 


Leonardo gastou vários anos nessas criações, o que lhe trazia alguma satisfação  e, principalmente, remuneração para o seu sustento e admiração da corte com a sua capacidade de criar efeitos especiais deslumbrantes.

II. - Virgem dos Rochedos (1483)


A encomenda original para que Da Vinci pintasse A Madona das Rochas veio de uma organização conhecida como a Confraria da Imaculada Conceição, provavelmente em 1483, que precisava de uma tela para ser peça central de um tríptico em um altar da Igreja de São Francisco, em Milão. Os contratantes deram dimensões específicas a Leonardo, e o tema desejado para a pintura – Virgem Maria, São João Batista ainda bebê, Uriel (anjo) e o Menino Jesus, abrigados em uma caverna.


Versão do Louvre  e versão de Londres


Existem duas pinturas atendendo essas especificações. A primeira que foi pintada se encontra no Louvre e, a segunda se encontra em Londres. 

Composicionalmente, todas as figuras são ligeiramente maiores na pintura de Londres do que na pintura do Louvre. A principal diferença de composição entre as duas pinturas é que, enquanto na pintura de Londres, a mão direita do anjo repousa sobre o joelho, na pintura do Louvre a mão é levantada, o indicador apontando para João. Os olhos do anjo são voltados para baixo de forma contemplativa na pintura de Londres, mas na imagem do Louvre estão voltados para o olhar na direção geral do espectador. 

Na pintura de Londres, todas as formas são mais definidas, incluindo as formas corporais das figuras vestidas. As rochas são pintadas em detalhes meticulosos, enquanto as formas do fundo da pintura no Louvre são mais nebulosas. O contraste entre luz e sombra nas figuras e rostos na pintura de Londres é muito mais nítido. 

Os rostos e formas na pintura do Louvre são mais delicadamente pintados e sutilmente borrados pelo sfumato . A iluminação na pintura do Louvre é mais suave e parece mais quente, mas isso pode ser o resultado do tom do verniz na superfície. De acordo com o tratamento conservador das obras de Leonardo, a versão do Louvre não sofreu restaurações ou limpezas significativas.




 quadro Virgem dos Rochedos versão Louvre - versão mais clara, tons mais vívidos
versão I, 1483-1486, Louvre
 quadro com a versão que está em Londres da Virgem dos Rochedos - Esse quadro está mais escuro e com as cores mais azuladas
versão II, 1495-1508, Londres
Existem duas versões para o fato de haverem duas pinturas para a mesma encomenda: 

- Uma delas diz que Leonardo vendeu a primeira para outro comprador e depois pintou a segunda para honrar a encomenda. 

- A segunda diz que as freiras que encomendaram a obra não ficaram satisfeitas com o resultado, o anjo apontando para João Batista, e então Leonardo preparou outra sem esse detalhes.


O fato é que houve disputas entra Leonardo e os contratantes pelo pagamento total da pintura e é mais provável que tenha acontecido a primeira versão;


III. - O Homem Vitruviano



Em 1487, foi lançado um concurso para a construção de um tibúrio (torre principal acima da cúpula) para a catedral gótica de Milão. Nessa ápoca a sua fachada ainda não havia sido construída tal qual a conhecemos hoje.  Leonardo apresentou um projeto que chamou atenção pois era bonito mas não obedecia ao estilo gótico que havia sido especificado. Ela lembrava mais o estilo da catedral de Florença. Em 1490, os organizadores resolveram pedir ajuda de um arquiteto especialista de Siena, Francesco di Georgio, para os ajudar a escolher o projeto.


 Gravura do Duomo de Milão por Leonardo
O Duomo de Milão na época de Leonardo


Nesse período, Leonardo fez amizade com Francesco e foi com ele a Pávia atender uma solicitação de consultoria para a construção da Igreja local. No caminho conversaram sobre um Compendio de arquitetura que Francesco estava fazendo, e também sobre um volume que havia no castelo de Pavia, do século I a.c., de autoria de Vitruvius. É o único livro de arquitetura da antiguidade que existia e  que sobreviveu até os dias atuais. Ele é conhecido atualmente como "Os dez livros sobre arquitetura" de Vitruvius. 

Uma das coisas que atraiu Leonardo para esse livro, era sua observação que as plantas dos templos deveriam refletir as proporções do corpo humano.

Vitruvius escreveu: "O desenho de um templo é determinado pela simetria. Deve haver uma correlação precisa entre seus componentes, assim como ocorre no caso de um homem de formas perfeitas".



As proporções de Vitruvius:

  • um palmo é o comprimento de quatro dedos;
  • um pé é o comprimento de quatro palmos;
  • um côvado é o comprimento de seis palmos;
  • um passo são quatro côvados;
  • a altura de um homem é quatro côvados;
  • o comprimento dos braços abertos de um homem (envergadura dos braços) é igual à sua altura;
  • a distância entre a linha de cabelo na testa e o fundo do queixo é um décimo da altura de um homem;
  • a distância entre o topo da cabeça e o fundo do queixo é um oitavo da altura de um homem;
  • a distância entre o fundo do pescoço e a linha de cabelo na testa é um sexto da altura de um homem;
  • o comprimento máximo nos ombros é um quarto da altura de um homem;
  • a distância entre a o meio do peito e o topo da cabeça é um quarto da altura de um homem;
  • a distância entre o cotovelo e a ponta da mão é um quarto da altura de um homem;
  • a distância entre o cotovelo e a axila é um oitavo da altura de um homem;
  • o comprimento da mão é um décimo da altura de um homem;
  • a distância entre o fundo do queixo e o nariz é um terço do comprimento do rosto;
  • a distância entre a linha de cabelo na testa e as sobrancelhas é um terço do comprimento do rosto;
  • o comprimento da orelha é um terço do da face;
  • o comprimento do pé é um sexto da altura;

Algumas versões do Homem Vitruviano

Tanto Francesco di Giorgio como outro amigo de Leonardo, Giacomo Andrea, fizeram desenhos do homem vitruviano, mas podemos dizer que somente o de Leonardo atingiu todo o rigor estabelecido por Vitruvius.


  Desenho do Homem Vitruviano - por Francesco di Giorgio
Desenho de Francesco di Giorgio
 Desenho do Homem Vitruviano por Giacomo Andrea
Desenho de Giacomo Andrea



A versão de Leonardo da Vinci (verão de 1490)


Duas coisas que diferem da versão de Leonardo do "Homem Vitruviano" são a precisão científica e a distinção artística. O homem de Leonardo parece estar em movimento. O olhar é intenso. Ele lembra uma conexão cósmica, como se fosse o homem perfeito criado para a eternidade do  Universo.

De acordo com Isaacson, "O Homem Vitruviano  de Leonardo é a materialização de um momento em que a arte e a ciência se combinaram para permitir que a mente de um mortal pudesse abordar questões atemporais sobre quem somos e qual o nosso lugar no Universo".



 Homem Vitruviano na versão de Leonardo da Vinci
Homem Vitruviano de Leonardo da Vinci


IV. - Monumento Equestre


No segundo trimestre de 1489, Leonardo conseguiu a encomenda que ele queria. A produção de um monumento de grandes proporções para homenagear o fundador da dinastia Sforza. Um cavalo de bronze e um cavaleiro de 75 toneladas com cerca de sete metros de altura. Quase o dobro da escultura que Verrochio havia realizado. Leonardo tinha uma verdadeira fixação pela figura do cavalo em movimento e queria realizar com isso a grande obra de sua vida.  


 Desenho de um cavaleiro montado em seu cavalo


Leonardo fez muitos desenhos de cavalos, e também gastou muito tempo estudando como faria a moldagem de um monumento tão grande. Finalmente, em dezembro de 1493, ele havia produzido uma versão em argila em tamanho real e já havia decidido como iria realizar todo o processo. Entretanto, logo depois, em 1494, o projeto foi cancelado. Os franceses invadiram a Itália e todo o bronze reservado para moldar o cavalo foi enviado por Ludovico para seu irmão em Ferrara para produzir três canhões pequenos. 

Milão foi conquistada pelos franceses em 1499. O modelo de argila produzido por Leonardo foi utilizado pelos franceses para praticar tiro ao alvo e logo foi destruído.  

V. - Leonardo e a Matemática


Como já foi citado, Leonardo nunca teve uma educação formal e por isso ele tinha dificuldades com aritmética e álgebra. Leonardo tinha facilidades com a geometria por causa de seus desenhos. Mesmo assim, Leonardo não foi um matemático que criou alguma demonstração ou teorema novo. Ele apenas sabia usar  bem a geometria e tentava inclusive provar suas idéias  sobre grandezas proporcionais utilizando a geometria. 

Leonardo não criou nenhum teorema novo na física como Galileu, Newton e outros. Ele observava e tentava pela experiência explicar / reproduzir  os fenômenos observados, mas não abstraía para uma lei geral devido ás limitações de sua formação. 

Apesar disso tudo, Leonardo se distinguia pelas suas ideias,  pois pela experimentação e analogias  ele as conseguia fazer funcionar. Ele tinha um ótimo conhecimento das aplicações de fusos e engrenagens e com elas conseguia criar seus mecanismos.



VI - Dama com Arminho (1489)

Dama com Arminho é uma pintura feita no ano de 1489-1490. A obra, feita em óleo sobre madeira, é um retrato de Cecília Gallerani, encomendada pelo amante dela, Ludovico Sforza.

Cecília fez parte de uma família abastada de Siena, admirada pelos dotes artísticos dos quais dispunha: falava latim, escrevia poemas e cantava. 

Na pintura, o que predomina é, no entanto, o estilo de Da Vinci, comum aos demais pintores renascentistas. As feições da retratada não permitem definir o sexo da personagem, sobretudo pela simbologia das mãos. Os dedos alongados não possuem características que podem ser atribuídas à feminilidade. 

A técnica de pintura utilizada pelo artista tinha como objetivo sustentar o belo por meio do esfumado, ou, sfumato renascentista - como era conhecido. Por esse motivo, é possível compreender o retrato de Gallerani como uma eufemização do eu interior da jovem, que seria apresentado de forma agressiva caso a técnica prezasse pelo alto contraste entre as cores utilizadas. 

 quadro Dama com Arminho
Dama com Arminho, Leonardo da Vinci, 1485-1490,
Museu Czartoryski, Cracóvia, Polônia


As feições faciais da moça, diferentemente de outras obras de arte, não traz maçãs do rosto bem destacadas, lábios carnudos e avermelhados ou qualquer traço de maquiagem. A suavidade do rosto da jovem, que parece estar reduzido aos traços mais simples de um rosto, distanciam a figura feminina do olhar do observador. A técnica do sfumato também pode ser percebida no arminho, que é o animal que ela segura. Ele está encaixado no colo dela como se também posasse para o retrato, embora, no momento da confecção deste, o animal não estivesse presente. (fonte Wikipedia - A Dama com Arminho)



VII. - A Última Ceia - Igreja de Santa Maria delle Grazie (Milão, 1495~1498)



A pintura mais famosa de Leonardo, da década de 1490, é A Última Ceia (1495–1498), pintada no refeitório dos padres dominicanos de Santa Maria delle Grazie em Milão. É uma obra fundamental da história da Arte. 

A pintura apresenta a Última Ceia, partilhada por Jesus com seus discípulos, antes de sua captura e execução. Mostra o momento específico em que Jesus, de acordo com o relato bíblico, teria dito aos apóstolos que um deles o trairia. Leonardo mostra a consternação que esta afirmação provocou entre os doze seguidores de Jesus. 


Uma das coisas que mais se destaca nesse quadro é a capacidade de Leonardo de transmitir a ideia de movimento através dos gestos dos representados. Outro grande destaque é o trabalho com perspectiva para que dê aos observadores uma boa visão da cena em qualquer posição da sala

O romancista Matteo Bandello observou Leonardo trabalhando na obra, e escreveu que

"Por diversas ocasiões, presenciei Leonardo dirigir-se logo pela manhã para se dedicar à pintura de A Última Ceia. Costumava permanecer ali, desde o nascer do sol até o entardecer, sem deixar os pincéis descansarem de suas mãos, pintando sempre, sem comer nem beber. Depois, por três ou quatro dias, não voltava a tocar no trabalho" — Matteo Bandello 


Quadro

 quadro A Última Ceia

Isto, de acordo com Vasari, estava além da compreensão do prior, que o atormentou até que Leonardo pedisse a intervenção de Ludovico. Vasari descreve como Leonardo, atormentado com a dúvida de sua capacidade de retratar os rostos de Cristo e do traidor Judas, disse ao duque que seria obrigado a usar o próprio prior como seu modelo. 

Quando terminada, a pintura foi aclamada como uma obra-prima do desenho e da caracterização, porém rapidamente deteriorou-se, a tal ponto que, cem anos depois de seu término, a obra foi descrita por um observador seu como "completamente arruinada". 

Leonardo, em vez de usar a técnica mais confiável do afresco, utilizou-se da têmpera sobre uma superfície feita basicamente de gesso — o que resultou num material sujeito ao mofo e a esfarelar-se.  Apesar disso, a pintura continua a ser uma das obras de arte mais reproduzidas de todos os tempos, e incontáveis cópias suas são feitas corriqueiramente, das maneiras mais variadas — de tapetes a camafeus.

Em 1999, uma pequena equipe de especialistas, liderada pela conhecida restauradora de arte italiana Pinin Brambilla, concluiu a enorme tarefa de restaurar a obra-prima de Leonardo da Vinci, "A Última Ceia". (fonte BBC Brasil).

Vídeo Explicativo



VIII. - Referências


Leonardo da Vinci - Walter Isaacson

Leonardo da Vinci / Ultima Ceia / Virgem dos Rochedos - Wikipédia


A vida de Leonardo da Vinci: Filme RAI, Youtube;
Santa Ceia (youtube) / Produzido por RYP Austrália. Criado por Rohan Brophy e Bruce Peterson.

Outras publicações da série
Vida e Obra de Leonardo da Vinci I (Florença)
https://historiacomgosto.blogspot.com.br/2018/04/vida-e-obra-de-leonardo-da-vinci-i.html


Vida e Obra de Leonardo da Vinci III (Florença / Milão / Roma / Amboise)

terça-feira, 17 de abril de 2018

Akatombo - Uma bela música infantil japonesa

1. - Akatombo


"Akatombo" , que significa libélula vermelha, é uma famosa canção infantil japonesa composta por Kosaku Yamada em 1927, com letras de um poema de 1921 de Rofu Miki. É uma representação nostálgica de uma libélula vermelha japonesa vista ao pôr do sol por uma criança sendo carregada no ombro de uma irmã mais velha.
´
É uma canção que todos sabem e se nas reuniões familiares, que todos cantam, alguém não souber nenhuma outra música, saberá essa pelo menos.


imagem de uma libélula vermelha
uma líbelula vermelha em foto de um video do youtube


Essa música tornou-se especialmente conhecida quando foi utilizada em um filme japonês lançado em 1955. 

2. - Texto

O poema está escrito na voz de alguém que relembra sua infância e é carregado nas costas de sua irmã (ou babá; as letras em japonês são ambíguas). O orador agora anseia por essa figura materna, que se casou aos 15 anos de idade, se mudou para longe, e não envia mais notícias de volta para a aldeia do falante. 

O poeta simbolista Rofu Miki (1889-1964), que escreveu o poema em 1921, tinha um passado semelhante. Sua mãe se casou aos 15 anos. Seus pais se divorciaram quando Miki tinha cinco anos de idade e sua mãe se mudou para nunca mais voltar. Ele foi posteriormente criado por seu avô paterno. Quando ele tinha 12 anos de idade, dez anos antes da publicação do poema, ele escreveu suas três linhas finais:  
Libélula vermelha pequena 
Descansando, esperando 
No final de um poste de bambu
A mãe de Miki, Kata Midorikawa, tornou-se uma figura importante no movimento de mulheres durante o período Meiji do Japão   Ela morreu aos 91 anos em 1962, e sua lápide foi inscrita com as palavras "Em repouso aqui, mãe da pequena libélula".   O próprio Miki morreu dois anos depois, aos 76 anos, após ser atingido por um veículo.  

Em seu livro de 2016 Music in Contemporary Japan , a comentarista de música e cultura japonesa Jennifer Milioto Matsue escreveu:
A música usa as imagens de libélulas vermelhas para evocar sentimentos nostálgicos do passado e, claro, para a antiga casa de campo do furusato [cidade natal]. ... Isso provoca sentimentos de saudade para todas as "mães" em todas as nossas infâncias. Essas linhas capturam de maneira semelhante a perda sentida quando os entes queridos se afastam, uma ocorrência cada vez mais comum na rápida urbanização do Japão moderno no início do século XX.

3. - Melodia


O compositor Kosaku Yamada (1886–1965) era um amigo íntimo de Miki e estabeleceu seu poema em 1921 como música em 1927.  
Yamada foi um dos vários respeitados compositores e poetas japoneses de música clássica que na década de 1920 procuravam criar canções para crianças que eram mais bonitas e emocionais do que as canções infantis padrão da época - especialmente as músicas prescritas pelo Ministério da Educação, Ciência e Cultura - que eram pedantes, patrióticas e moralistas.
O novo estilo de músicas foi chamado de dōyō , e não são apenas músicas infantis, mas também canções de arte para adultos. A coleção de Yamada, 100 Canções infantis de Kosaku Yamada , foi publicada em 1927 nos primeiros meses do período Shōwa do Império do Japão e estabeleceu um estilo duradouro de música japonesa.

4. - Vídeo - Música por "Japanese Folk Song" 


                          


5. - Letra completa

libélulas vermelhas estão voando no brilho do sol. Eu me pergunto quando foi que eu as vi nas costas de alguém (irmã / babá)

nós colhíamos amoras nos campos da montanha
nós as colocávamos em uma pequena cesta, mas eu me pergunto se era uma ilusão

quem cuidou de mim casou e foi embora quando tinha quinze anos 
e depois disso nenhuma notícia sobre ela chegou de sua cidade natal

libélulas vermelhas estão voando no brilho do sol
uma está agora descansando no cano de bambu



6. - Reconhecimento 



Em uma pesquisa nacional da NHK em 1989 , "Akatombo" foi classificada como a música mais amada do Japão

Em 2007, a Agência de Assuntos Culturais do Ministério da Educação, Cultura, Esportes, Ciência e Tecnologia do Japão o incluiu em sua lista de 100 músicas japonesas amplamente amadas no Japão. 

Em 2008, o Japan Mint emitiu seis denominações de moedas de "Aka Tombo" de curso legal em homenagem à canção.


7. - Referências

Observação: Todo o texto retirado da Wikipédia

Akatombo - Wikipedia inglesa

Youtube - "akatombo" - japanese folk songs